Rysunek rysunku - Figure drawing - Wikipedia

Z Wikipedii, Wolnej Encyklopedii

Pin
Send
Share
Send

Rysunek rysunku autorstwa Leonardo da Vinci

ZA rysunek postaci jest rysunkiem postaci ludzkiej w różnych jej kształtach i postawy używając dowolnego rysunku głoska bezdźwięczna. Termin może również odnosić się do aktu wytworzenia takiego pliku rysunek. Stopień odwzorowania może wahać się od bardzo szczegółowych, anatomicznie poprawnych renderingów po luźne i wyraziste szkice. „Rysunek życia” to rysunek postaci ludzkiej z obserwacji na żywo Model. Rysunek postaci może być skomponowanym dziełem sztuki lub badanie postaci wykonane w ramach przygotowań do bardziej skończonej pracy, takiej jak obraz.[1] Rysowanie figur jest prawdopodobnie najtrudniejszym tematem artysta często spotykane, a całe kursy są poświęcone temu tematowi. Postać ludzka jest jednym z najtrwalszych tematów sztuk wizualnych, a postać ludzka może być podstawą portret, ilustracja, rzeźba, ilustracja medycznai inne pola.

Podejścia

Artyści na różne sposoby rysują postać ludzką. Mogą czerpać z żywych modeli lub ze zdjęć,[2] z modeli szkieletowych lub z pamięci i wyobraźni. Większość instrukcji skupia się na wykorzystaniu modeli na kursach „rysowania życia”. Korzystanie z fotograficznego odniesienia - choć powszechne od czasu opracowania fotografia—Jest często krytykowany lub zniechęcany za tendencję do tworzenia „płaskich” obrazów, które nie oddają dynamicznych aspektów tematu. Czerpanie z wyobraźni jest często chwalone za ekspresyjność, do której zachęca, i krytykowane za nieścisłości wynikające z braku wiedzy lub ograniczonej pamięci artysty w wizualizacji postaci ludzkiej; doświadczenie artysty z innymi metodami ma duży wpływ na skuteczność tego podejścia.

Tworząc obraz, niektórzy artyści skupiają się na kształtach tworzonych przez wzajemne oddziaływanie jasnych i ciemnych wartości na powierzchniach ciała. Inni przyjmują podejście anatomiczne, zaczynając od przybliżenia wnętrza szkielet figury, nakładając się na narządy wewnętrzne i muskulaturai zakrywając te kształty skórą, a na końcu (jeśli ma to zastosowanie) ubraniem; badanie anatomii wewnętrznej człowieka jest zwykle związane z tą techniką. Innym podejściem jest luźne zbudowanie ciała z geometryczny kształty, np. kula na czaszkę, cylinder na tułów itp., następnie udoskonalają te kształty, aby bardziej przypominały ludzką postać.

Dla osób pracujących bez odniesienia wzrokowego (lub w celu sprawdzenia swojej pracy), proporcje powszechnie zalecane na rysunku rysunku są:[3]

  • Przeciętna osoba ma na ogół 7 i pół głowy wzrostu (łącznie z głową). Można to zilustrować uczniami w klasie za pomocą papierowych talerzy, aby wizualnie zademonstrować długość ich ciał.
  • Idealna figura, służąca do wrażenia szlachetności lub wdzięku, jest narysowana na wysokości 8 głów.
  • Bohaterska postać używana do przedstawiania bogów i superbohaterów ma osiem i pół głowy wysokości. Większość dodatkowej długości pochodzi z większej klatki piersiowej i dłuższych nóg.

Te proporcje są najbardziej przydatne w przypadku modelu stojącego. Pozy, które wprowadzają skrócenie perspektywiczne różnych części ciała spowoduje, że będą się różnić.

Głoska bezdźwięczna

Siedząca kobieta, rysunek czarną kredką, szkoła Rembrandt (XVII wiek)

Plik Salon Francuski w XIX wieku zalecał stosowanie Conté kredki, czyli sztyfty z wosku, oleju i pigmentu, połączone ze specjalnie opracowanym papierem. Kasowanie nie było dozwolone; zamiast tego artysta miał opisać postać lekkimi pociągnięciami, zanim zrobi ciemniejsze, bardziej widoczne ślady.

Rysunek rysunku autorstwa Lovis Corinth. Przed 1925 rokiem

Popularną nowoczesną techniką jest użycie a węgiel drzewny sztyft przygotowany ze specjalnych winorośli i bardziej szorstkiej formy papieru. Węgiel drzewny przylega luźno do papieru, umożliwiając bardzo łatwe usuwanie, ale ostateczny rysunek można zachować za pomocą „utrwalacza” w sprayu, aby węgiel nie ścierał się. Twardszy, sprasowany węgiel drzewny może dać bardziej przemyślany i precyzyjny efekt, a stopniowane tony można uzyskać przez rozmazanie palcami lub cylindrycznym narzędziem papierowym zwanym a. kikut.

Ołówek grafitowy jest również powszechnie używany do rysowania postaci. W tym celu ołówki artystyczne sprzedawane są w różnych formułach, od 9B (bardzo miękki) do 1B (średnio miękki) i od 1H (średnio twardy) do 9H (bardzo twardy). Podobnie jak węgiel drzewny, można go usunąć i manipulować za pomocą pnia.

Atrament to kolejne popularne medium. Artysta często zaczyna od ołówka grafitowego, aby naszkicować lub zarysować rysunek, a następnie ostatnią kreskę wykonuje piórem lub pędzlem, z trwałym tuszem. Atrament można rozcieńczyć wodą, aby uzyskać gradacje, technikę zwaną myciem atramentem. Ślady ołówka mogą zostać usunięte po nałożeniu tuszu lub pozostawione na miejscu, a ciemne tusze je przytłumią.

Niektórzy artyści rysują bezpośrednio tuszem bez przygotowania szkicu ołówkiem, preferując spontaniczność tego podejścia, mimo że ogranicza to możliwość poprawiania błędów. Matisse jest artystą, o którym wiadomo, że pracował w ten sposób.

Ulubiona metoda Watteau i inni artyści XVII i XVIII wieku Barokowy i Rokoko era miała zaczynać się od kolorowej podstawy tonu w połowie drogi między bielą a czernią i dodawać cienie w czerni i rozjaśniania w bieli za pomocą pióra i atramentu lub „kredki”.

Historia

Postać ludzka była przedmiotem rysunków od czasów prehistorycznych. Podczas gdy praktyki studyjne artystów starożytności są w dużej mierze kwestią domysłów, o tym, że często rysowali i wzorowali się na nagich modelach, sugeruje anatomiczne wyrafinowanie ich prac. Anegdota, o której opowiada Pliniusz opisuje, jak to zrobić Zeuxis przejrzała młode kobiety Agrigentum nagi, zanim wybierze pięć, których cechy połączyłby, by namalować idealny obraz.[4] Użycie nagich modelek w warsztacie średniowiecznego artysty jest sugerowane w pismach Cennino Cenninii rękopis Villard de Honnecourt potwierdza, że ​​szkicowanie z życia było utrwaloną praktyką w XIII wieku.[4] Carracci, którzy otworzyli swoje Accademia degli Incamminati w Bolonii w latach osiemdziesiątych XVI wieku ustanowili wzór dla późniejszych szkół artystycznych, czyniąc z życia główną dyscyplinę.[5] Szkolenie rozpoczęło się od kopiowania rycin, następnie przystąpiono do rysowania z odlewów gipsowych, po czym uczniowie zostali przeszkoleni w zakresie rysowania z żywego modelu.

Pod koniec XVIII wieku uczniowie w Jacques-Louis DavidW pracowni przestrzegano rygorystycznego programu nauczania. Umiejętność rysowania była uważana za warunek konieczny do malowania. Przez około sześć godzin każdego dnia uczniowie rysowali model, który pozostawał w tej samej pozie przez tydzień.[6] „Rysunki osiemnastowieczne, takie jak ten przypisywany Jacques-Louis Davidowi, były zwykle wykonywane na papierze zabarwionym czerwoną lub czarną kredą z białymi refleksami i zaciemnionym tłem. Modelki były zazwyczaj aktywne: postacie stojące zdawały się poruszać i nawet siedzące postacie gestykulują dramatycznie. Dokładna obserwacja ciała modela była drugorzędna w stosunku do wykonywania jego gestów, a wiele rysunków - zgodnie z teorią akademicką - wydaje się przedstawiać raczej reprezentatywną postać niż określone ciało czy twarz. Dla porównania, akademie wyprodukowane w XIX wiek [...] był zwykle wykonywany czarną kredą lub węglem na białym papierze i jest skrupulatnym przedstawieniem specyfiki i osobliwości ciała żywego modela. Ślady ręki artysty są zminimalizowane i chociaż pozycje leżące lub siedzące są rzadkie, nawet pozycje stojące są stosunkowo statyczne ... ” [7] Przed końcem XIX wieku kobiety generalnie nie były dopuszczane na zajęcia z rysunku postaci.[8]

Figurka Akademii

Na figurka akademii jest rysunek, obraz lub rzeźba dosłownie, z nagie ludzkie ciało przy użyciu modelu na żywo, zazwyczaj w połowie okresu trwałości.[wymagany cytat]

Jest to typowe ćwiczenie wymagane od studentów w szkoły artystyczne i akademie, zarówno w przeszłości, jak i obecnie, stąd nazwa.[9]

Kobiety

Przekroczona postać akademii autorstwa neoklasycznego malarza Pierre Subleyras

Historyczne relacje ujawniają, że nagie modele dla aspirujących artystki były w dużej mierze niedostępne. Kobietom zabroniono wstępu do niektórych instytucji, ponieważ uważano, że uczenie się z nagimi modelkami jest dla nich niewłaściwe, a być może nawet niebezpieczne.[10] Chociaż mężczyźni mieli dostęp zarówno do aktów męskich, jak i żeńskich, kobiety były ograniczone do uczenia się anatomii na podstawie odlewów i modeli. Dopiero w 1893 roku studentki uzyskały dostęp do rysowania życia w Royal Academy w Londynie,[11] i nawet wtedy model musiał być częściowo drapowany.[12]

Ograniczony dostęp do nagich postaci utrudniał karierę i rozwój artystek. Najbardziej prestiżowe formy malarstwa wymagały dogłębnej znajomości anatomii, której systematycznie odmawiano kobietom,[12] którzy w ten sposób zostali zdegradowani do mniej cenionych form malarstwa, takich jak gatunek muzyczny, martwa natura, krajobraz i portret. W Linda NochlinW eseju „Dlaczego nie było wielkich artystek”, określa ograniczony dostęp kobiet do rysowania postaci nagich jako historycznie istotną barierę dla artystycznego rozwoju kobiet.[12]

Współczesna nauka w studio

Rysunek mężczyzny siedzącego ze skrzyżowanymi nogami
Studium nagości wg Annibale Carracci

Instrukcja rysowania figur jest elementem większości Sztuki piękne i ilustracja programy. Akademie sztuk pięknych we Włoszech mieć scuola libera del nudo („bezpłatna szkoła nagości”), która stanowi część programu studiów, ale jest również otwarta dla studentów z zewnątrz.[13] W typowej klasie pracowni rysunku postaci uczniowie siedzą wokół modelu półkolem lub pełnym okręgiem. Nie ma dwóch uczniów, którzy mają dokładnie ten sam widok, więc ich rysunek będzie odzwierciedlał perspektywę wyjątkowej lokalizacji artysty w stosunku do modelki. Model często ustawia się na stojaku, aby ułatwić uczniom znalezienie niezakłóconego widoku. W zależności od rodzaju pozy można używać mebli i / lub rekwizytów. Są one zwykle zawarte na rysunku, o ile są widoczne dla artysty. Jednak tła są powszechnie ignorowane, chyba że celem jest poznanie rozmieszczenia postaci w środowisku. Poszczególne modele są najbardziej powszechne, ale wiele modeli może być używanych w bardziej zaawansowanych klasach. Wiele studiów wyposażonych jest tak, aby umożliwić różnorodne aranżacje oświetlenia.

Na poziomie college'u modele rysowania postaci są często (ale nie zawsze) nagi (oprócz drobnej biżuterii, rekwizytów lub innych niepozornych przedmiotów). Podczas pozowania modelka zwykle musi pozostać nieruchoma. Ze względu na trudność robienia tego przez dłuższy czas, okresowe przerwy na odpoczynek i / lub rozciąganie modelki są zwykle uwzględniane w dłuższych sesjach i trudniejszych pozach.

Na początku sesji rysowania postaci modelka jest często proszona o wykonanie serii krótkich póz w krótkich odstępach czasu. Nazywa się to pozami gestów i trwa zwykle od jednej do trzech minut. Rysowanie gestami jest ćwiczeniem rozgrzewającym dla wielu artystów, chociaż niektórzy artyści szkicują ten gest jako pierwszy krok na każdym rysunku postaci.[14] Te szerokie pociągnięcia są wykonywane nie tylko ruchem nadgarstka, ale także całym ramieniem, aby uchwycić ruch modelu. Pomaga również skupić się artysty na modelu zamiast na papierze. Jeśli chodzi o ludzkie ciało, artyści są boleśnie krytyczni; proporcje martwej natury nie muszą być idealnie narysowane, aby wyglądały autentycznie, ale nawet najmniejszy błąd w proporcjach ludzkich będzie łatwo zauważalny.

Współcześni i współcześni artyści mogą zdecydować się na wyolbrzymienie lub zniekształcenie proporcji, aby podkreślić gest lub postrzegany nastrój pozy modelek. Rezultaty można uznać za gotowe dzieło sztuki, wyrażające zarówno temat, obserwacyjne, emocjonalne, jak i będące odpowiedzią na doświadczenie artysty w zakresie rysowania postaci.

Anatomia jest tylko pierwszym stopniem zainteresowania w klasach życiowych. Rysunek ziemi brane są również pod uwagę relacje i inne aspekty kompozycji. Równowaga kompozycji staje się bardziej istotna, a zatem bardziej zrozumiała poprzez rysunek życia. Artyści kinestetyczny odpowiedź na pozę i sposób jej przekazania poprzez wybór środków artystycznych jest bardziej zaawansowaną kwestią, ponieważ celem zajęć z rysunku postaci jest nauczenie się rysowania ludzi wszelkiego rodzaju, modeli męskich i żeńskich w każdym wieku, o różnych kształtach i zwykle poszukuje się grup etnicznych, zamiast wybierać tylko piękne modele lub osoby z „idealne” figury. Niektórzy instruktorzy szczególnie starają się unikać modeli preferowanych przez fotografów mody, szukając bardziej „realistycznych” przykładów i unikając jakichkolwiek implikacji uprzedmiotowienia seksualnego. Instruktorzy mogą również faworyzować modele określonego typu ciała na podstawie unikalnych konturów lub faktur powierzchni, które zapewniają. Różnorodność zatrudnianych modelek może być ograniczona potrzebą utrzymywania przez nie pozycji przez dłuższy czas (eliminując niespokojne dzieci i wątłe starsze osoby) oraz obawami o skromność i legalność, gdy modelki pozują nago (ograniczenie wykorzystywania nieletnich).

Zobacz też

Uwagi

  1. ^ Jagoda, Ch. 8 - „Rysunek jako przygotowanie”
  2. ^ Maureen Johnson i Douglas Johnson (2006). Art Models: Life Nudes for Drawing, Painting and Sculpting. Książki z modelami na żywo. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 stycznia 2014). „Standardowe proporcje ciała ludzkiego”. makingcomics.com. Odzyskano 6 września 2020.
  4. ^ za b Ściśle akademickie 1974 s. 6.
  5. ^ Ściśle akademickie 1974, s. 7.
  6. ^ Ściśle akademickie 1974, s. 8.
  7. ^ S. Waller, Wynalezienie modelu: artyści i modele w Paryżu, 1830-1870. 2016, str.5.
  8. ^ Ściśle akademickie 1974, s. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, „Académie” i „Modèle”, dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paryż, Panckoucke, 1791. Źródło cytowane w fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. „Artystki w XIX-wiecznej Francji”. Muzeum Sztuki Metropolitan.
  11. ^ Levin, Kim. „Dziesięć najważniejszych historii ARTnews: Ujawnianie ukrytego On'". ArtNews.
  12. ^ za b do Nochlin Linda. "Dlaczego nie było wielkich artystek?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, s. 829–830. ISBN 8838778639 (po włosku)
  14. ^ Podręcznik modelu sztuki http://www.artmodelbook.com

Bibliografia

Zewnętrzne linki

Pin
Send
Share
Send